Argonauta – Argonauta (2022) | Die andere Seite Bewertungen

Argonauta verwendet ihr selbstbetiteltes Album Argonaut ihre jahrelange musikalische Erfahrung mit den Emotionen der letzten Jahre zu verbinden. Mit Tracks, die äußerst relevante Themen von psychischer Gesundheit bis hin zu Isolation und Verlust berühren, verschmilzt das Album ihre Erfahrungen und Stile zu einem verträumten, von Synthesizern durchdrungenen alternativen Pop-Erlebnis. Vollgepackt mit erhebenden Songs und einem Hauch emotionaler Realität, fegt das Album durch Momente der Hoffnung, Freude und Heiterkeit.

Adam Sullivan (Gesang, Keyboards) und Charlie Rauh (Gitarren, Bass) sind das musikalische Duo hinter dem Sound. Nachdem sie bei Ausbruch der Pandemie nicht einzeln touren konnten, kamen sie 2020 zusammen, um Argonauta zu gründen. Nachdem sie in der Vergangenheit zusammengearbeitet hatten, konnten sie ihre Fähigkeiten bündeln und dieses Debütalbum aus der Ferne aufnehmen.



Das Album beginnt mit „Kate“ und dem sanften Piano-Anfang, der Sie in ein falsches Gefühl der Single wiegt. Die Gitarren und die vibrierende Dunkelheit der Beats steigen aus der Tiefe und wirbeln um Sie herum wie Tintenschwaden. Die Melodie hat ein sehr tiefes Gefühl, das einen schweren Hauch von Dunkelheit hat, der durch das fast Dröhnen der Beats noch kraftvoller wird. Die Vocals überlagern sich gegenseitig, was dazu führt, dass Sie gegen sie stolpern und in der rauchigen Klanglandschaft wirbeln. Es gibt in diesem Track ein Aufwallen von Emotionen, das in den letzten Teilen leicht nachlässt, aber das tut nichts, um die Schwere des Tracks zu zerstreuen. Es ist eine erstaunliche Eröffnung des Albums und weckt sofort den Wunsch, zu hören, was die Band sonst noch zu bieten hat.

„Chivalry“ hat eine schwerere elektronische Kante zur Eröffnung, die in eine leichtere Bewegung übergeht. Dieser Track hat ein viel helleres Gefühl als der Eröffnungstrack, aber in den niedrigen Levels zu ruhen ist ein Faden der Dunkelheit. Die Vocals haben ein Retro-Synth-Feeling, das Sie in die Vergangenheit zurückversetzt. Der Refrain bringt einen Ausbruch von Helligkeit und fröhlichen Vibes, die Sie in die nächsten Strophen reiten. Dieser Track hat ein sehr interessantes Gefühl, wenn man im Refrain schwerelose Höhen erreicht, nur um dann in die Strophen zu fallen, in denen anhaltende Unsicherheit in deine Gedanken eindringt. Es ist ein perfekter Fluss von Emotionen, der widerspiegelt, wie wir uns alle irgendwann gefühlt haben. Später im Track steigt die Instrumentierung mit den Sie umgebenden Beats und der Gitarre, die Sie nach vorne zieht.

Der Anfang von „Let Me Go“ hat ein unfassbares Gefühl, als würde Nebel durch deine Finger streichen. Die Vocals haben einen Seufzer, der den Texten müde macht. Die Texte haben eine offene Atmosphäre, die Gedanken und Gefühle auf eine kompromisslose Weise darlegt. Im Laufe der Single gewinnt die Melodie diese sonnige und leichte Atmosphäre, die durch die müde Kante des Gesangs konterkariert wird. Es ist ein entzückendes Zusammenspiel, das Sie in fröhliche Schwingungen versetzt, nur damit Sie von der Kette zurückgezogen werden, die Sie mit etwas oder jemandem in Ihrer Vergangenheit verbindet. Durch die Texte werden wir mit den Emotionen von jemandem konfrontiert, der bereit ist, weiterzumachen, aber von jemand anderem zurückgehalten wird, der nicht bereit ist, ihn gehen zu lassen.

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„Love Is Everything“ ist erhebender und optimistischer als die Tracks davor. Es gibt eine funkelnde und regentropfenartige Bewegung in der Melodie, die dem Track ein Gefühl von Neubeginn verleiht. Die Vocals haben eine zarte Weichheit, in die man zurücksinken möchte. Während Sie der Gesangsdarbietung lauschen, können Sie spüren, wie ein Gefühl des Friedens Ihre Sinne überflutet und das Gewicht der Welt von Ihren Schultern fällt. Während der Track ein befreiendes Gefühl hat, berühren die Texte die Negative der Welt, nur um sie im Wind zerstreuen zu lassen. Unter dem Gesang ist eine reichhaltige Melodie, die dich auf einer Wolke reiten lässt, während sie durch die Atmosphäre schwebt.

Die Gitarre, die „I Don’t Need You Anymore“ eröffnet, erregt Ihre Aufmerksamkeit mit der Bewegung, bevor die blubbernden Beats darunter aufsteigen. Es gibt einen wunderbaren Aufbau durch die Eröffnung, der dich zu den nachdenklichen Vibes der Vocals führt. Der Gesang hat ein fast nostalgisches Gefühl, während die Texte einen in die Zeit zurückschicken zu einem einzigen Moment, der alles verändert. Während der Strophen lässt dich der Gesang auf der Sanftheit der Nostalgie schweben, bevor der Refrain die Dinge leicht verändert und den Texten eine Erkenntnis verleiht. Später im Track tanzt die Gitarre mit toe-tapping Drums für eine atemberaubende Bridge, die den Song auf eine ganz neue Ebene zu heben scheint.

„Marianne“ bringt mit den Twilight-Synthesizern etwas von der Dunkelheit der frühen Tracks des Albums zurück. Die summende Stimmeröffnung verflochten sich mit den Synthesizern zu einer süchtig machenden Bewegung. Dies verwandelt sich in einen Klangimpuls, der gegen die Rückseite Ihres Gehirns klopft, bevor er in einen leichteren melodischen Fluss übergeht. Dieser Track ist ein Meisterwerk der Kontraste, da er sich von dunklen Dämmerungstönen zu sanften Pastellfarben bewegt. Die Höhen und Tiefen, die diese Bewegung repräsentiert, fangen perfekt die Achterbahnfahrt ein, die manche Beziehungen sein können. Die später einsetzenden Hörner fügen der Melodie eine neue Textur hinzu, die dem Klang eine neue Wendung verleiht.

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Die gleichmäßige Bewegung des Piano-Eröffnungsstücks „Break Just a Little“ führt Sie in den Strom der Vocals. Es gibt keine Möglichkeit, es zu vermeiden, in den Strom der Vocals hineingezogen zu werden, wenn sie an euren Herzen zerren. Die Texte sind eine Geschichte von Herzschmerz und der Traurigkeit, die danach kommt, und man fühlt, dass niemand sonst in der Lage ist, sie zu verstehen. Die widerhallenden Harmonien der Vocals verstärken die emotionale Kraft der Vocals, um wirklich dein Herz zu brechen und deine Brust mit dem Schmerz des Tracks zu füllen. Es gibt ein Verständnis dafür, dass jemand Wunderbares vorbei ist und man es nie zurückbekommen kann. Trotz all des Schmerzes, den der Refrain in dein Herz bringt, ist er unbestreitbar eingängig und du wirst vielleicht feststellen, dass du mitsingst.

„Apocalyptic Love“ hat am Anfang eine Intensität, die seltsam weich ist. Es ist wie ein sanfter Wind, der über deine Haut streicht, nur um dich mit dem Sand zu stechen, den er trägt. Die Unheimlichkeit, die in den niedrigen Ebenen der Eröffnung ruht, kriecht im Verlauf der Single aus dem Unterholz. Der Gesang hat manchmal ein haarsträubendes Gefühl, das einen nervös macht und Schatten in den Augenwinkeln flackern lässt. Besonders intensiv wird dies im Refrain, der deine Muskeln mit Anspannung und furchtbarer Vorfreude erfüllt. Dieser Track unterscheidet sich so sehr von den anderen auf dem Album, dass er wirklich die Vielseitigkeit der Band zeigt.

Das Album endet mit „Heist“ und seiner Eröffnung mit einer einzigen Klaviernote. Die einsame Note, die die Eröffnung füllt und Sie zum fast weißen Nebel der Hauptmelodie führt, hat etwas Ausdehnendes. Sullivans Gesang jagt einem Schauer über den Rücken und hinterlässt einen Schauer. Während die Melodie ein ausladendes Gefühl hat, wird sie durch die Unsicherheit gemildert, die von den Streichern erzeugt wird, die die Weiten der Klanglandschaft verfolgen. Während Sie durch den Nebel der Melodie wandern, wirbeln die Vocals wie Nebel um Sie herum. Die Texte sind es wert, gut angehört zu werden, da sie von der intensiven und manchmal dramatischen Bewegung der Melodie unterstützt werden.

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Argonauta nutzt ihr selbstbetiteltes Debütalbum, um ihre Vielseitigkeit zu demonstrieren und Sie sofort von ihrem Sound zu begeistern. Über die Gleise bewegen sie sich von erhebenden Seufzern zu schleichender Dunkelheit und der Intensität der Ungewissheit. Jeder Track ist wunderbar anders und trägt gleichzeitig einen Faden von etwas Einzigartigem für das Duo.

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Video Details:
Title : Made in Japan - Einblick in Japans Games-Industrie Dokumentation
Artist Name : Rocket Beans Gaming
Duration : 48:17
Video Size : 66.31 MB
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Was für ein Land ist Japan? Viele beschreiben es als Land der Farben und Lichter. Mit Großstädten, die direkt aus einem Ridley-Scott-Film stammen könnten. Einige sehen Japan wiederum als Land der Extreme, indem Tradition und Moderne Hand in Hand gehen. Andere nehmen Japan hingegen ausschließlich digital wahr. Als Ursprung tausender Welten, die uns seit Jahrzehnten unterhalten, herausfordern und begleiten. Und genauso werden sie hier in diesem Land präsentiert. In Japan sind Videospiele Gesellschaft, Tradition - aber vor allem - Geschichte.

Dieser Geschichte möchten wir mit “Made in Japan” besonderer Aufmerksamkeit widmen. Dafür reisen wir quer durchs Land, sprechen mit Entwicklern über ihre Arbeit und versuchen herauszufinden, welchen Einfluss die japanische Videospielkultur auf das interaktive Medium hat. Was für ein Land Japan genau ist, wird jeder mit seinen eigenen Eindrücken anders beschreiben. Wir haben John Ricciardi (8-4), Dylan Cuthbert (Q-Games) und Swery65 (White Owls) diese Frage gestellt und uns ihre Geschichten angehört.

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